紙上的美術館Part 1-在家看⟪鹽田千春：顫動的靈魂 ⟫

2021年的初夏，原本有很多好看的展覽，莫內、慕夏、達利、文藝復興….蓄勢待發，準備在即將來臨的暑假大放異彩，然而一場突如其來的疫情卻讓逛展覽成為一種奢望。不過其實透過書本也可以對藝術家有深度的認識喔！很幸運的我在疫情爆發之前看了一些展覽，整理一下我看展覽的心得以及藝術家們的出版品內容，先和大家一起分享藝術家鹽田千春的故事以及一點我的心得。

｜鹽田千春

⟪鹽田千春：顫動的靈魂⟫是鹽田千春舉辦過規模最大的個展，於2021.5.1-8.29在台北美術館展出。裝飾藝術類型的作品都使用十分強勢的方式瀰漫整個空間，尤其紅線及黑線交纏在空氣中鋪天蓋地而來，千絲萬縷勾勒出如蛛網如蠶繭的質地，輕柔又張狂，令觀眾震撼。而這些作品的底蘊，來自於藝術家關注的一個根本問題：我們的生命究竟要追求什麼，又要去向何處？

鹽田千春創作歷程

鹽田千春1972年生，成長於大阪。大學期間主修油畫並擔任雕塑家村岡三郎的助手，也以交換學生的生份到澳洲創作裝置和行為藝術。鹽田於1996年抵達歐洲，後來以柏林為據點，或要於各大展館及雙年展。

北美館｜塩田千春：顫動的靈魂 | 館長線上導覽

鹽田千春的作品

成為畫 Becoming Painting

「我夢見自己成為一幅畫，思索著要如何在畫面中移動身體，才能成為一幅傑出的作品？身體表面覆滿油彩，讓我感到難以呼吸。那一夜，我成了作品的一部分。」

鹽田千春

這件作品在北美館展出之時是照片並不是真人。我很喜歡藝術家把自己融入在作品裡的概念，其實每一件作品都是藝術家的思想、經驗、訴求轉化而成，也就是藝術家自己的靈魂在其中，而這樣以表演藝術的形式呈現，更是具體讓觀眾體會藝術是為展現人類思想，而不僅僅只是讓人看了覺得「很漂亮」。

鹽田本來是油畫科，但一直覺得在油畫方面有突破不了的瓶頸，⟪成為畫⟫這件作品使用的是瓷漆，有很長一段時間，這個紅色顏料都附著藝術家身上，不容易清洗掉。儘管這顏料造成鹽田身體一些傷害，但對藝術家而言《成為畫》跨了很大一步，她找到了這樣表演藝術的形式用來表達以及呈現思想。

不確定的旅程 Uncertain Journey

線彼此糾纏、交織、斷裂、拆解。它們總是映照出我內心世界的一角，彷彿在表現人與人之間不同的關係狀態。

鹽田千春

這件作品大概是本次展覽的主視覺，無論是門票還是各類的宣傳品，都可以看見瀰漫整個空間的紅線，在裡頭有種在繭裡面，又像在蜘蛛網底下，也很像在通紅的海水中，透著頂部的光在看世界。我看展覽的時候最好奇的部分其實是這些線是怎麼被固定的，在地板上其實找不到明顯的釘痕或是黏膠的痕跡，真的很佩服佈展團隊。 展覽前一個多月，我在北美館的instagram上看到了公告：「因為佈、卸展期間展覽減少…免費參觀」，當時心裡還想說：「什麼展覽這麼費工，需要美術館這麼大費周章？」，到了現場看的時候，嗯，真的讓我由衷的佩服整個團隊，作品實在很震撼。

這次展覽我是趁著工作中間的午休跑去的，所以只待了短短的時間，打算先來看一眼，反正門票才NT$30，之後平日白天有休假再來時間待久一點的時間，沒想到後來因為疫情的關係展覽就暫停了，我頓時好慶幸自己先偷跑來看展覽。

使用紅色的毛線是因為紅線具有象徵人與人之間緣分的意義，同時血液也是紅色的，而毛線有時會糾結、會緊繃、會斷裂，恰恰和人際關係是一樣的。我想到鹽田有段採訪說：「創作的時候，總是習慣要把自己逼到極限，但是有了孩子便很難如此。但很快的，自然而人把藝術家和母親兩種身份分開了，而且可以很快的切換角色。養育孩子並不阻礙了創作，只要切換得夠快。」或許藝術家也和這群紅線一樣，曾經糾纏、打結，但終究理出了一個頭緒，找出了一個在空間中發展自如的方向，綻放出特有的姿態。

靜默中 In Silence

九歲時，我家隔壁發生了一場火災。翌日，一台鋼琴孤零零的出現在屋外，全身焦黑，看起來卻美麗更勝以往。一種無可言喻的靜默籠罩著我，在接下來的幾天裡，只要一聞到窗外飄來的燒焦味，我就會感到自己的聲音變得模糊沈鬱。有些事物深深沉入我的心底，有些則無論多麽努力嘗試，也難以物質或語言的形式捕捉其樣貌。但它們卻是沒有形體的存在，一如靈魂。越想著它們，它們的聲音就越從心底消失，其存在也越發清晰而確實。

鹽田千春

黑線的使用比起紅線更有些沈重，燒焦的鋼琴卻比平常更有吸引力。鋼琴原本是用來演奏音樂的，座椅原本是給人乘坐聆聽音樂的，如今卻是一片靜默，浸淫在黑絲線中。參觀展覽的時候，感覺很像在洞穴中走動，看到被關起來的鋼琴，有一種想要救她出來的衝動，隔著黑絲線，我們依然看得很清楚彼此，卻分隔開了無法觸碰到對方。或許有些美好的事物，有一天就是會這樣變得沈默，變得只能遠觀而不能褻玩焉，停留在腦海中的印象卻依然深刻。

聚集-找尋目的地

人們離鄉背景只因心中有著想要前往的所在。由於生活周遭充滿了各國人士，常會一時之間忘記我來自日本，及至看見鏡子裡的倒影，才猛然發現我是黑頭髮與黑眼珠的亞洲人。漂泊得越遠，融入得越多，就越能到達一個可以深刻凝望自身的境地，以一種全新的目光。看著堆起如小山的行李箱，眼前浮現的是它們背後的人們所過的生活。他們為何遠離家園，尋找他方？又為何踏出這段旅程？我遙想著他們在啟程出發的那一天清晨裡心中所懷抱的感受。

鹽田千春

第一次在網路上看到北美館的宣傳圖時，我以為藝術家是一位西方人，大概是紅色的主視覺太過強烈，不符合東方人以往給人沉靜的印象，後來我才知道原來藝術家是長駐歐洲的日本人，作品裡彷彿有一點東方的熟悉，也有許多西方的表達手法。

小的時候我不被允許擁有行李箱，直到我買了第一個行李箱，我才覺得自己得到了遠程旅行的許可。站在這麼多的行李箱前面，即將離家遠行的我特別有感受。每一個行李箱都乘載著一個出發、離開、回去…的心情，有時候是雀躍的邁向旅程，有時候是小心翼翼的包裹僅存從家鄉帶來的溫暖，有時候背負大量的祝福帶給另一片土地。不知道我的行李箱裡面會裝什麼，如果裝得太滿大概是擔心缺乏，如果裝得太少大概是覺得可以割捨的東西很多，又或者覺得快可以再回來。以往沒有這麼多情緒，大概是疫情拉長了土地與土地、人與人之間的距離，本來可以很快來回的地方，現在卻因為隔離的天數太長了難以頻繁往返。這個段落不知道怎麼收尾，總之想到行李箱真是很有感觸。

如果還想要知道更多關於鹽田千春的故事以及她的作品，可以購買鹽田千春裝置藝術作品鑑賞集：撼動的靈魂。在這一大冊三百多頁的作品鑑賞集裡，收錄了作品、創作的解說、展覽年表，以及專訪和評論文章。

台北市立美術館位於捷運圓山站附近，旁邊就是花博園區。期待疫情趨緩之後，大家能到北美館一起感受這些作品，也一起的對身邊的事物多一些反思。

View this post on Instagram

A post shared by 臺北市立美術館 北美館 TFAM (@tfam_museum)